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Outsider... deconstruyendo el arte desde fuera (5)
Epistemología del arte marginal como práctica visual expresiva
Ramón Almela. Doctor en Artes Visuales
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Formato en PDF
en español
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Las fotografías pertenecen a la exposicion de artistas de la coleccion de NAEMI
(National Art Exhibitions by the Mentally Ill)
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El "Outsider Art" abarca la producción de imágenes por parte de personas de palpable desequilibrio mental y de muchos autodidactas alejadas de convenciones sociales. La situación de este arte marginal ha cambiado por influjo de varios elementos distinguibles en la situación posmoderna, y que concurren a su difusión: Uno, se considera el subproducto de una actividad ocupacional. Dos, se incorporan estas expresiones de arte popular a la esfera del "High Art". Y Tres, este arte "deconstruye" las convenciones del arte desmantelando el esquema restrictivo, reconsiderando la función del arte en la cultura visual. Al incorporarse al intercambio comercial, se debe deslindar y considerar las aportaciones estéticas formales junto a su característica de ocupación productiva de imágenes fundamentalmente humana. |
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Kristy Wagstaffe. Colección NAEMI
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Así mismo, el proceso creativo perfilado como fenómeno central en el proceso evolutivo-cultural del hombre coopera en el proceso evolutivo mismo de la vida según señala Federico de Tavira. ("Introducción al psicoanálisis del arte". Ed. Plaza y Valdés. México DF, 1996) La vida mental se alimenta de la imaginación, así como la vida social se construye desde el imaginario colectivo –inconsciente colectivo– que sostiene la esperanza y unión de los integrantes. La fantasía es el acto del juego libre de la imaginación individual que se produce en el rincón más recóndito de la mente humana. Aparece en esa asociación de imágenes interiores, memoria, represión y carácter personal espoleados por la creatividad imaginativa. Otro psicoanalista, Erich Neumann, une la creatividad con la transformación del ser humano, la irrupción de lo inconsciente dentro de lo consciente, considerando al arte, como lo haría Freud como lenguaje del subconsciente: "Los arquetipos del inconsciente colectivo son intrínsecamente componentes psíquicos que asumen una forma en el arte" ("Art and the creative unconscious" Princeton University Press. Princeton NJ, 1974). Erich Neumann apunta que la tensión entre lo consciente y lo inconsciente que se produce en una sociedad como la actual, hermética y egoísta, origina que la irrupción de lo inconsciente resulte intempestiva. Sin embargo, en las sociedades primitivas es menos violenta ya que son culturas cuyos rituales proveen una unión con los poderes arquetípicos.
La sociedad actual postmoderna ha ido transformando la figura y el comportamiento del artista convencional. Se han modificado muchas de sus características, mitos y configuración funcional, aunque todavía se encuentre el artista, según la psicología, marcado por la fruición artística como una transferencia de "su énfasis psíquico desde la agonía y el odio en sus conflictos hacia, el placer y el amor por el ejercicio de la transformación estética".
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Lucía Ballester. Colección NAEMI
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El "Einfühlung" es la teoría estética desarrollada en la segunda mitad del siglo XIX que tiene como base la concepción del arte como expresión. Contempla la proyección sentimental como la capacidad de introducir en un objeto físico un sentimiento que no corresponde a su naturaleza y, mediante esa identificación se revelan las formas como símbolos del sentimiento. De este modo, la Estética es entendida como una sección de la Psicología. Según Lipps, principal promotor de la teoría, la estética puede definirse como una disciplina de la psicología aplicada. Esa proyección sentimental actúa como operador de la creatividad: La empatía sentimental del artista lo conduce a proyectar su propio "yo" sobre las formas que crea. Esta simbolización de los sentimientos y emociones son desplegadas por la imaginación en formas artísticas. Y es en la fantasía, que es "la imaginación con poder de invención" (Samuel Ramos "Filosofía de la vida artística" Espasa Calpe Mexicana SA. México DF, 1994) donde se articula aún más la diferencia de niveles entre los artistas más convencionales y los protagonistas del "Outsider Art". La imaginación es una facultad esencial en el artista que va más allá del registro pasivo de lo dado. "Imaginar es una actividad que niega, rechaza, toma distancia ante lo que se le ofrece para ´proponer´ una construcción propia sobre aquello de que se trate" (María Noel. "Filosofía de la imaginación". Siglo XXI Editores. México DF, 1988). Para poder imaginar, la conciencia tiene que ser capaz de sobrepasar lo real para constituirse como un mundo. Pero no de manera arbitraria, señala Jean-Paul Sartre en su "Psicología de la imaginación", ya que una imagen, "no es simplemente el mundo negado, es siempre el mundo negado desde un cierto punto de vista" ("The psychology of imagination". Citadel Press. New York, 1991) El artista del "Outsider Art" se entrega con un desatado brío, obsesivamente, a su mundo interior dejándose, sin control, arrastrar por la energía de la psique que ahonda en ideas y formas a través de la transformación estética de la realidad. La satisfacción y compensación experimentada en esta operación de imaginación creativa, que desahoga tensiones internas, le impulsa a regresar a sentir esta experiencia estética que configura y afirma su identidad.
Los criterios de valor para una obra de "Outsider Art" se desenvuelven en la proximidad de las propuestas estéticas similares al arte convencional, pero han de ser enmarcados por sus particularidades. El placer y el goce estético se van revelando a través de la actuación misma que el artista despliega. Los sentimientos y la acción artística son integrados con la forma y el contenido plasmados en la obra. El dominio de esta forma artística en relación con el contenido emocional del carácter y la vida del artista, así como su situación en relación con su tiempo y su mundo conforman las pautas de análisis de una obra. No hay obra autónoma. Toda producción se enlaza en un contexto y obedece a una actitud ideológica. Al abordar estas obras hay que tener en cuenta, fundamentalmente, los aspectos descritos de sentimiento-acto-forma que se entremezclan y funden con lo iconográfico, lo sociológico y lo autobiográfico.
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Mark Tokyo. Colección NAEMI
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La actitud creativa, la demencia y el "Outsider Art"
El análisis de las características de personalidad de los artistas permite observar la preponderancia de ciertos rasgos determinados entre los que se encuentra la depresión, esa profunda afectación que moviliza o paraliza la actividad creativa. Es precisamente en las etapas de sufrimiento vital del artista cuando los resortes emocionales buscan su equilibrio y sublimación dolorosa a través de la producción artística. Estas etapas, cuando el artista se halla absorto en su dolor se vuelven las fases más fecundas por el esfuerzo de nivelación energética interna. El artista, sensible por carácter, es desbordado por los sentimientos de angustia y desolación que impulsan su imaginación volcándose en las imágenes para desahogar la presión emocional.
La experiencia del artista demente, el que se considera oficialmente incapacitado mental, atraviesa un patrón semejante. El discapacitado mental se siente vertido hacia la imagen desde la intensidad de sus emociones. Necesita construir imágenes para elaborar y dialogar con lo que se agita en su mente. Las imágenes suponen el interlocutor en la alborotada conversación mental de su cerebro. Por eso afirma Eduardo Monteverde ("Los fantasmas de la mente" Colec. Croma. Editorial Paidos. México DF, 2006) que el esquizofrénico es uno de los enfermos mentales que mejor representa la locura. El esquizofrénico ha pasado a las galerías y subastas de arte como un arquetipo de la creatividad y del razonamiento verdaderamente excéntrico. Esta dualidad que se establece en la experiencia anímica y visual, proyectando sobre la realización artística el propio "yo", se condensa en la psicosis esquizofrénica concretada manifiestamente en otro personaje dentro de uno mismo.
La psicosis y la depresión conllevan a menudo el recurso al suicidio como mecanismo de liberación. Juan Antonio Criado, artista escultor que mencionaba en el comienzo del texto, quien mostraba un aparente equilibrio personal y que poseía todos los factores envidiables para una carrera profesional, desde el talento al soporte financiero, atravesó varios episodios depresivos -motivados quizás por asuntos amorosos- y fue desbordado por sus impulsos autodestructivos terminando un día su vida arrojándose por el balcón.
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Lucía Ballester. Colección NAEMI
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Hay indicios estadísticos que los artistas en general se suicidan en mayor número, especialmente los poetas. Según un estudio, que el Dr. Jesús de la Gandara y la Dra. Virgina García realizaron, de los casos de suicidio de artistas a una edad media de 40 años que investigaron (en el capítulo "Arte y mente: Una relación creativa y peligrosa" del libro "Nuevos Horizontes en el arte outsider hispano" Editorial Enokia, SL, Madrid 2005) más del 50% estaban en tratamiento psiquiátrico, o era posible documentar una enfermedad depresiva o psicótica. En los restantes era posible advertir el rastro de circunstancias patológicas relacionadas con personalidad, biográficas o amorosas. Sin embargo, el Dr. Eduardo Monteverde opina que es mentira y que los artistas terminan suicidándose igual que los plomeros o los taxistas: "La gente desechable se mata igual que los artistas, o incluso mucho más" (Entrevista de José David Cano a Dr. Monteverde en el periódico "El Financiero", México DF. Miércoles 9 de Noviembre, 2005) |
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Continuación...
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Publicado el 28 de Octubre de 2006 |
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