New York. Resistencia y reacción melancólica (y 4)

New York. Resistencia y reacción melancólica (y 4)

Ramón Almela. Doctor en Artes Visuales

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New York. Resistencia y reacción melancólica (1)
New York. Resistencia y reacción melancolica (2)
New York. Resistencia y reacción melancolica (3)

Alex Katz. "Ada y Vincent" 1967

En el artículo anterior se analizó la obra de Víctor Rodríguez que giraba entorno a la representación de su esposa. En Octubre, el "Jewish Museum" ofrecerá un extenso análisis de la visión de Alex Katz de su esposa Ada a lo largo de su carrera. Con la proximidad del 80 cumpleaños de este pintor, se extienden las publicaciones y revisiones de su obra. Ahora, una exposición en la galería PaceWildenstein se centra en monumentales lienzos en los que retrata amigos y familia del artista situados en el entorno de los Sesenta. Su restricción de la imagen realista a una elegante simplificación de trazo y color reduce las propiedades plásticas de la pintura. Pero Alex Katz ha sabido siempre potenciar el efecto compositivo y los valores del color en una ambigüedad entre lo conceptualmente complejo y la simplicidad representativa.

Instantáneas de la ciudad de New York

Las obsesiones individuales son expresión del ánimo melancólico y el retraimiento psíquico del artista. La impresión generalizada del visitante de New York es que cada quien anda en su mundo: "Nadie se fija en ti". Allí, la detenida observación de alguien es percibida como agresión. New York es un lugar donde no existes para nadie. El retrato pasa a ser un mecanismo de recuperación de la memoria y de la existencia. En el presente del retrato posmoderno, a menudo, el sujeto real como modelo es sustituido por la fotografía o la imaginación concentrándose en lo cambiante, en la identidad mutable y en una idea más amplia y compleja del individuo: El retrato existencial. George Condo, en la galería Luhring Augustine, recuperando el medio tradicional y evocando el retrato

George Condo en la galería Luhring Augustine

histórico, realiza un híbrido sarcástico y humorístico cuando explora arquetipos de la vida social diaria a través de un personaje inventado, arropado bajo múltiples personalidades. Acercándose al absurdo despliega la libertad de la morfología que adquiere, en contrapartida, un sentido profundo y existencial de la realidad social.

En la creciente globalización económica, el arte como expresión social unifica posturas en los continentes. La sociedad china crece y es afectada por el capitalismo de consumo. Li Tianbing, en la galería Kashya Hildebrand, recurre a los rostros de niños con superposición de manchas y trazados de color aleatorio dejando al espectador cautivado extrañamente por la mirada que le alcanza en el mundo programado del consumo y los deseos, y que desde la infancia contemplan sin alternativa. Una mirada desde el Oriente a la realidad del sujeto posmoderno, que como individualidad social es puesta en cuestión en esta disolución del "yo" personal revelada en los desvíos plásticos del retrato posmoderno.

George Condo

Una de las recientes aproximaciones a la historia del arte como giro en el concepto creativo y lectura, ha sido el de la analogía en una pragmática de lo visual impulsando una práctica interdisciplinaria con el arte, desde la ciencia a la sociología. En el panorama actual donde la diferencia y la otredad son los parámetros definidores, es preciso atender la similitud entre dos o más cosas diferentes como resolución de las dicotomías aparentemente insalvables. Artistas en diferentes lugares, tiempos y de contradictorios estilos han producido similares soluciones formales que proveen puntos de renovada lectura en sus paralelismos y conexiones, que empujan a considerar el significado del arte no sólo en su estructura interna, sino en la relación con otras obras de arte;

Li Tiangbin

Esto facilita un acercamiento no lineal a la historia de la producción visual superando las preconcepciones vigentes de una simple cronología. El Museo de Arte Moderno de New York realiza desde comienzos del año una revisión a sus fondos de dibujos con la exposición "Transforming Chronologies: An Atlas of Drawings" interaccionando las imágenes bajo varias nociones temáticas que llevan a agrupar trabajos como los de Paul Klee, Piero Manzoni, Robert Smithson y Louis Bourgueois.

Piero Manzoni "Thumbprint" 1960
Paul Klee "Three Fruits" 1927
Robert Smithson "Espiral" 1970
Louise Bourgoise 1989
En "Transforming Chronologies: An Atlas of Drawings" en el Museum of Modern Art of New York

Como Louis Borgueois, Eva Hesse, artista de la época de los sesenta, pero ya desaparecida, influyó en el cambio de paradigma del arte contemporáneo con su concepción artística. La escultura era desplegada como dibujo y el dibujo organizado como imagen pictórica. En palabras de la

propia artista: "No sé si cualquiera de estos dibujos pueden ser llamados pinturas, legítimamente. Y un montón de mis esculturas puedan ser llamadas pinturas...". Su interés por el proceso, incorporando lo desconocido y dejando que la pieza se redefina a sí misma, derivó en el desarrollo de formas orgánicas basadas en la seriación minimalista y en la utilización de las propiedades de los inusuales materiales de las piezas. Una destacada exposición en el "Drawing Museum" analiza el importante rol del dibujo en la obra de Eva Hesse, mientras el "Jewish Museum" ofrece la escasa oportunidad de ver reunidas sus obras de escultura enfocada en la contextualización de la esencial exposición "Chain Polymers" de 1968 en la galería Fischbach en New York, ensamblando la mayor parte de las piezas de aquella exposición y complementando con anteriores y otras posteriores ofreciendo una interesante visión de la evolución plástica de Eva Hesse, acompañada de películas y documentos en papel no presentados anteriormente. El conjunto de las exposiciones ofrece una espléndida impresión y satisfactorio acercamiento a la esencia de sus ideas.

Eva Hesse "Ringaround Aroise" 1965
(The Museum of Modern Art ©The Estate of Eva Hesse. Hauser & Wirth Zürich London)

¿Qué interés representa la obra de Eva Hesse en el panorama actual? La imagen domina en la sociedad diluyéndose entre la esfera artística, la información y la publicidad. El papel del artista deja de ser auto-contemplativo, se vuelve más anónimo asumiendo un rol activo en la difusión de las ideas a través de su práctica visual. Se constata la atención a la producción de la vanguardia de los 70, e incluso a las reconsideraciones sociales que el movimiento Dadá instigó alrededor de la Primera Guerra Mundial con la exposición "Dada", que de París a Washington inicia ahora su

Eva Hesse "No title" 1966, "No title" 1968
(Tony and Gail Ganz, Los Angeles ©The Estate of Eva Hesse. Hauser & Wirth Zürich London)

muestra en el MOMA de New York, señalando su espíritu internacional, de colaboración, transparencia y libertad. Para el Dada, el arte podía no tener función, pero era indispensable. Eva Hesse remontó la discriminación contra la mujer en el mundo del arte de ese tiempo y supo conectar sus peculiaridades conceptuales con su intuición sensible, retando las propias ideas del estilo minimalista. Aquellos tiempos de la vanguardia de los Sesenta se desplegaban en el replanteamiento de la vida y el objeto del arte, un arte que celebra la existencia y la validez de lo impersonal. La recuperación actual de los valores de estas vanguardias en una actitud melancólica trae presente las aportaciones singulares de Eva Hesse.

Eva Hesse "Metronomic Irregularity III" 1966
(Tony and Gail Ganz, Los Angeles ©The Estate of Eva Hesse. Hauser & Wirth Zürich London)

El proceso de Eva Hesse como artista revela las claves para la originalidad e innovación en una mente creativa. Éstas germinan desde un compromiso con las características propias, una apropiación de la historia y tradición, y un entendimiento del entorno actual. La desinhibida evolución enlazando propuestas que responden a requerimientos e impulsos simbólicos,

intelectuales y vitales conforma el marco de aportaciones que después se describirán como estilo distintivo, aunque el propio artista, en su comienzo, no se percate. El artista ávido en la comercialización de su producto, doblegado al estilo imperante y anhelando su reconocimiento e inserción en el circuito artístico se hace sordo a sus propios componentes auténticos homogeneizándose indistintamente dentro de la masa común.

Eva Hesse se educó como pintora, y fue desde la frontalidad propia de la pintura y el desarrollo de la lógica del proceso del material como abordó la construcción de su discurso contrapuesto a las convenciones estéticas de su tiempo. La raíz de su reflexión artística, de auténtica originalidad, se halla en la estructura triádica, que anota en un cuaderno: "Proceso-Contenido-Materialidad" enfatizando la contradicción formal y lo absurdo, incorporando el azar y la incertidumbre en una intensificada unión entre arte y vida al confrontar su propia muerte por el tumor cerebral que acabaría con ella en 1970, a la temprana edad de 34 años.

Eva Hesse "No Title" 1965
(Allen Memorial Art Museum Oberlin College. Ohio ©TheEstateEva Hesse.Hauser&Wirth Zürich London)

Eva Hesse "Repetition Nineteen III" 1968
(The Museum of Modern Art ©The Estate of Eva Hesse. Hauser & Wirth Zürich London)

Eva Hesse ahondó en sus emociones, su identidad femenina, su existencia atormentada y traumática, y en su experiencia extrema impulsando este lenguaje situado en la ambigüedad entre los géneros pictóricos y escultóricos enlazando el espacio de las dos dimensiones con el de tres. Es con el dibujo que elabora la sucesión de alcances donde la línea, el espacio y la sensibilidad por los materiales se conjugan en memorables relieves cargados de evocativas relaciones imaginativas y corporales, sin ser directas simbolizaciones del cuerpo. Son síntesis formales básicas, retículas y círculos al principio, biomórficas abstractas posteriormente, pero alejadas de lo gestual y la marca gráfica que propugna el minimalismo en su objetivo auto-referente.

Eva Hesse "Aught" 1968
(University of Calfifornia Berkeley Art Museum ©The Estate of Eva Hesse. Hauser & Wirth Zürich London)

Aunque trabajando dentro de un vocabulario minimalista de materiales industriales como el látex y la fibra de vidrio junto a la repetición serial, Eva Hesse modificó ese sistema impersonal y frío permitiendo los bordes brutos, la agrupación aleatoria y el contraste entre exteriores suaves e interiores irregulares. Consiguió expandir los materiales escultóricos en su translucidez y luminosidad intrínseca. Ella misma comenta en una entrevista respecto a los materiales: "No hay reglas, no quiero creer en ninguna regla, no quiero mantener ninguna regla y quiero algunas veces cambiar las reglas, pero en ese sentido... los materiales llegan a ser importantes e intervengo poco en ellos, lo cual es, creo, lo absurdo."

Eva Hesse "Test Piece for Contingent" 1969
(National Gallery of Art Washington ©The Estate of Eva Hesse. Hauser & Wirth Zürich London)

Eva Hesse "Untitled(Rope piece)" 1970
(Whitney Museum of American Art ©The Estate of Eva Hesse. Hauser & Wirth Zürich London)

Lo existencial del retrato posmoderno se aúna en el panorama de New York a la recuperación de los valores de la vanguardia en que preconizan la transparencia de las formas y la autenticidad de Eva Hesse. Esta melancolía detectada en el panorama del arte en New York donde lo bucólico y las expresiones de los Sesenta y Setenta son atendidas en una recuperación de las estrategias básicas modernas permiten enfatizar la analogía para romper la cronología creativa y atender sin anacronismos las aportaciones del pasado, conectar con las realizaciones multidisciplinarias actuales y hallar la convergencia entre lo universal y lo individual, entre los conceptos contrapuestos de forma y orden, y lo inconsciente y delirante, es decir entre lo apolíneo y lo dionisiaco.

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Publicado el 17 de Junio de 2006