Mi reciente reflexión “La Función Social del Arte” sobre prácticas artísticas actuales que inducen en el espectador la reflexión  y el despertar de inquietudes y conciencia, reconsideración de la realidad impuesta, profundización en las razones que mantienen la existencia, se tropieza con las afirmaciones de un artista conocido del panorama expositivo mexicano quien afirma que “en estos tiempos el arte es desechable”, que “hoy hay una prostitución artística que da asco”, que el arte actual no es contemporáneo, que ese sí fue bueno, y que “hoy el arte está hecho por jóvenes cuarentones sin talento”; una actitud de menosprecio arrogante que no sostiene razones y desestima lo que no coincide con su actitud plástica.

La convivencia de las distintas tendencias se define en su autonomía, no en la antinomia; es decir, su objetivo se centra en producir no llegando a ser aniquiladas por el mercado, en vez de ser determinadas por la contraposición bipolar intentando diferenciarse de la mayoría con ese encumbrado estatus  que se dispensaba al genio en el pasado.

Una de las estéticas que prepondera  aún como paradigma teórico, y la cual sobrevive en el desenvolvimiento académico e institucional del arte es la estética idealista, a la que se sujetan muchos artistas que hablan del Espíritu y la congruencia entre la idea y la forma. Es posible adscribirse bajo su marco de actuación, el problema es que deriva en la dicotomía entre el arte

De nuevo, es posible sondear bajo estas aserciones  los vestigios de un estética idealista. Se percibe el sustento de un “Ideal”, eso que designa lo bello producido por el espíritu humano en la obra de arte. La posición central del arte en el pensamiento idealista es que la forma artística es la manifestación del absoluto, de lo infinito; la finitud material de lo artístico es el vehículo de la revelación de la Idea. Así que son desechadas aquellas obras de arte que no se conformen a la consecución vital entre el espíritu y la forma, el concepto y la materia. De esto la vanidosa afirmación de este individuo sobre que el arte de estos tiempos es desechable.

Habría que indicarle a este personaje en cuestión, José Luis Cuevas, que sus ideas extremas se oponen a la praxis vital diaria, convirtiendo el arte en una escatología apartada de la realidad visual de la imagen actual, que sólo termina por mantener el ideal burgués de la autonomía de la experiencia estética condensada en un núcleo de normas de la Institución-Arte bajo el nuevo capitalismo cultural.

Una exposición en Puebla en la “Galería de Arte Moderno y Contemporáneo” ofrece la oportunidad de discernir la obra de José Luis Cuevas, quien goza de una consolidada fama desde los años 70 y la retrospectiva de dibujo del Museo de Arte Moderno de París en 1976. Proveniente de los artistas de la “generación de la ruptura” en México, que en los Cincuenta reaccionaron contra la temática nacionalista hegemónica que ensalzaba el muralismo mexicano y la

En esta exposición se muestra un amplio repertorio de la obra plástica, donde las esculturas en bronce de la serie “Animales impuros” junto a algunos dibujos y grabados sobresalen validando el interés por su obra que, en cambio, decae al considerar la producción pictórica; en ambas, la dominante es el dibujo como línea o como frontalidad. Las formas humanoides y composición de sus esculturas adaptan siempre una apariencia aplanada que se conforma como dibujo en el espacio, acorde con la estrategia de la vanguardia moderna cuando los pintores comenzaron a realizar escultura.

Su realización pictórica se compone de cuadros de gran formato en acrílico donde se vuelcan las características de su grafismo: cuerpos contorneados, fragmentados y retorcidos que se funden en una masa amarga inaccesible que se anuncia como fatalidad estéril en un campo de color armonizado en clave análoga; es decir, pinta con el color reducido a la mínima diferenciación cromática destacando su valor tonal con el que conjuga los contrastes necesarios de una composición que sucumbe a la elemental centralización sin complejidades o búsqueda de

Esta muestra devela un Cuevas alzado por el mercado envuelto en esa maraña de la producción caligráfica directa, a la que llama pintura, destapando el ser de un artista intenso aferrado a un pensamiento petulante que deviene en materia plástica cuyo valor está sustentado en la autografía de la persona, más que en el valor de la producción artística de las piezas.

Una manera en que el arte se disuelve es en el gusto “Kitsch”, ese “anti-arte solidario del arte” como Abraham Moles lo caracteriza, que es una expresión de origen alemán traducida como trivial, banal. Se conforma como la expresión surgida como desarrollo de una masificación del arte debido al proceso industrializador de la modernidad, que origina una situación opuesta a la actividad de las vanguardias. Clement Greenberg identifica cómo, en este fenómeno cultural, “el arte se trivializa y el producto kitsch suprime toda participación inteligente del consumidor” ofreciendo sensaciones falseadas. El Estado se coordina con la producción del Kitsch como legitimación buscando la complacencia de la sociedad adulando las masas induciendo el descenso del nivel cultural.

Se celebran 70 años del “Barrio del Artista” con la exposición de 29 autores en las “Galerías del Palacio Municipal”. Lo peor, es que una institución cultural como el IMACP refrenda y alienta esta postura, confundiendo y degradando los valores artísticos al banalizar la sensibilidad del espectador. No hay una selección incluso asumida una inclinación “comercial decorativa costumbrista”: se da acogida a la obra que los artistas han decidido mostrar, exhibiendo en gran parte un total desacierto en los principios de representación, los cuales presumen y ostentan conservar como tradición de sentimiento artístico.

Sin desdeñar inicialmente la temática o método estilístico, se precisaría una atención más extensa para distinguir y separar aciertos y desaciertos en el tratamiento técnico, en el color, y en el valor tonal de las imágenes expuestas. Entendido el contexto en el que se originan, restrinjo la crítica a la

Dos ejemplos, entre Cuevas y el “Barrio del Artista”, donde el arte se prostituye o se diluye en varias formas enmascarando el auténtico impulso artístico que produce la renovación mental, la resistencia a los valores impuestos, abriendo sendas para la exploración de la imaginación y enriquecimiento de la sensibilidad no sujetas a la dictadura del mercado y lo comercial.