Existen dos modos opuestos de infiltrarse con arte en el espacio público y comercial: de modo monumental o de modo sutil. Las obras artísticas situadas en un espacio público inciden primordialmente sobre el gusto popular, común, que marca los parámetros de esos espacios diferenciados del espacio privado. Se puede entender que ese espacio público apunta al espacio de encuentro comunitario, pero adquiere hoy una acepción de “lugar” donde se desarrollan facetas de lo social que repercute en el auto-reconocimiento del individuo y la vivencia de la identidad cultural y valores de la relación humana, determinada por la función del uso del espacio y su forma arquitectónica.

Esos territorios de las experiencias colectivas se plasman en estructuras espaciales concretadas a través de lo económico, religioso y político constituidos como lugares que materializan la memoria, y en los cuales se erigen elementos visuales con función simbólico-estética, los cuales se apropian del sitio sirviendo de marca y transformando el paisaje. Las imposiciones de gobiernos con criterios opuestos a la población crean situaciones polémicas como ocurrió con la obra de Richard Serra “Tilted Arc” que en 1989 fue removida y destruida de una plaza en Manhattan, New York.

En el extremo opuesto, más lejos de la espontaneidad de la actividad mural del grafiti en los espacios públicos que se imponen como reclamo de vitalidad ciudadana, y más cercano a la expresión del “stencil” se encuentra el fenómeno del “Shop dropping” que, infiltrando arte en las tiendas, crea una convergencia peculiar de arte público distanciado de lo sublime-monumental afirmándose en esa esfera de lo privado y lo efímero, pero al mismo tiempo presentándose en el espacio diario cuestionando la realidad del objeto de arte como mercancía. Esta expresión consiste en remplazar etiquetas de latas, o intervenir revistas, colocando el objeto manipulado entre las

L a dialéctica planteada por la inserción de una obra en el espacio público, sea desde la actitud monumental o desde otras maneras más sutiles, y la recepción de las mismas por la comunidad apuntan hacia el valor de la obra como objeto simbólico, y no sólo como elemento estético. La presentación de unas obras monumentales en el Zócalo de Puebla capta la atención del transeúnte

Así, se expusieron hace poco fotografías en gran formato de espacios turísticos poblanos, obra de Raúl Gil, que por tamaño y motivos se adscriben bajo la simple actitud publicitaria comercial, aunque enmascarada con la idea de producción artística. No existe en su obra tensión interior alguna entre técnica y significación, entre su nivel comunicativo y el nivel significativo; es decir: entre

Sin embargo, sirviendo de contraste se muestran en el mismo lugar las piezas de 13 artistas entre Enero y Febrero, después de haber permanecido en el paseo de la Reforma de México DF, iniciando un recorrido itinerante por varios Estados. La exposición que se plantea bajo el título “Despierta a la vida”, patrocinada por la empresa Nescafé apoyando a varias fundaciones culturales y ecológicas, contribuye a la construcción de la mirada del viandante impulsando la

Esta estrategia de entregar a los artistas para su intervención pictórica un modelo escultórico realizado en fibra de vidrio está muy extendida operando de varios modos. En Puebla, recientemente, se manejó el tema con los “Corazoles”. Esta actividad cultural está basada en los leones que se exhibieron pintados en Zurich (Suiza) en 1986, que más tarde conformaría la idea  de la muestra “CowParade” organizada en Chicago en 1999 por Peter Hanig con esculturas de vacas que artistas locales intervienen y se distribuyen en distintos puntos de la ciudad, subastándose después para obtener fondos para organizaciones de beneficencia. Con este concepto se realizan desde entonces muestras en varias ciudades (50 ciudades y más de 5,000 artistas han participado interviniendo las esculturas, recaudándose más de 20 millones de dólares) El éxito de esta práctica artística inspiró a otras ciudades a realizar similares actividades de recolecta de fondos extendiéndose al uso de otros animales y objetos.

La exposición “Despierta a la vida”, promocionada por Nescafé, en el Zócalo de Puebla reúne a 13 artistas que comparten una actividad expositiva internacional, bajo la curaduría de Santiago Espinosa de los Monteros, teniendo muchos de ellos un fuerte contacto con el diseño en general, lo que hace que sean estas piezas las más exitosas al involucrar su visión del objeto desbordando la función superficial decorativa.

Destaca la pieza de Marcela Armas, quien prosigue su práctica artística desarrollando temas de diseño urbano, al convertir la taza en estacionamiento de bicicletas que incentiva el abandono del automóvil por el uso de transportes alternativos y ecológicos. Y otra pieza que se integra con el espacio público es la taza de Emilio García, convertida en un reloj de sol donde la sombra proyectada del asa de la taza orienta la hora. Asimismo, con una obra de impacto visual, se encuentra la de Alberto Ibañez, uno de los protagonistas de la muestra como artista local; su taza fue recubierta –y resulta realmente efectiva y engañosa- del efecto del pocillo de peltre azul, tradicional utensilio mexicano de cocina donde el café es hervido con el agua en pausado proceso. Su obra, que en el pasado representó pictóricamente,  convoca al ciudadano a recuperar lo rudimentario y valioso de la vida en sus culturas vernáculas. Otra pieza donde la actitud del diseño fuerza el significado de la pieza es la de Omar Torres, la cual es intervenida quebrándola en fragmentos que revelan el momento inicial del estallido de la cerámica, una manera de materializar la percepción invisible al ojo humano, y que construye bajo su disciplina fotográfica. Y en otro ejemplo, la taza es utilizada por Emilio Chapela para transformarse en una entelequia matemática combinando las formas del cubo-taza reflejando con el cuadrilátero el volumen exacto de la capacidad de la taza.

Una de las funciones que la escultura pública adquiere es la de ser conciencia de los deseos colectivos e individuales como en las fuentes clásicas. Aquí, Fernando Llanos exterioriza a través de su pieza las frases latentes en la mente común invitando a que arrojen una moneda al interior para que se cumplan sus aspiraciones. Y en actitud similar, otro diseño funcional, el de Ale de la Puente,  vuelve esta taza en un objeto integrado con el espacio urbano al servir como espacio de manutención de las aves del entorno provocando la interacción de las aves con la pieza.

En varios ejemplos, la superficie de la taza actúa meramente como receptáculo del estilo, como en el caso de Eric Morales,  Aldo Chaparro, Héctor Falcón, y Emilio Valdés, o realizando una reflexión plástica del artista concordando en mayor o menor grado con sus estrategias como la de Edgar Orlaineta imitando el decorado vienés de comienzos de siglo XX, o el instructivo esquemático de Alfredo Salomón para la meditación con un café.

Es evidente el entusiasmo icónico del transeúnte con su participación fotográfica apropiándose la imagen de las piezas involucrándose con ellas; además, el sitio en facebook “DespiertaLaVida” prosigue la actividad en la que se puede participar tomándose la foto con la pieza de preferencia en una cabina preparada para tal efecto.

Una exposición de escultura urbana, “Despierta a la vida” que actúa sobre la sensibilidad del transeúnte de una manera tan distinta y diferente a la que operó con las fotografías monumentales de Raúl Gil, demanda cuestionamientos y participación del ciudadano apuntando hacia la visibilidad del arte contemporáneo en su presentación urbana, que no deja de recordar que existen otras maneras de incidir en el espacio público de formas más sutiles e invisibles.