Baruch Vergara
Ramón Almela. Doctor en Bellas Artes
Las imágenes de Baruch se detienen sobre lo cotidiano. Su mirada hacia la realidad viene mediatizada desde el mecanismo, previamente trabajado en el grabado con la serie "Alegorías Históricas", transfigurando imágenes de obras pictóricas célebres de la historia del arte de los periodos del Renacimiento al Neoclásico. Activaba con ello en el espectador la acción del re-conocimiento en la presentación de estas imágenes de un nuevo modo plástico. Se inserta así en el ejercicio de mímesis, imitación, un concepto enlazado con la doctrina del arte como imitación de la naturaleza floreciente en el clasicismo francés del siglo XVII y comienzos del XVIII y que se remonta a la Antigüedad desde el pensamiento de Platón y Aristóteles cuando establecen una doctrina de la poesía y la tragedia. El concepto de mímesis gana con Aristóteles un significado positivo y fundamental que interesa resaltar. Afirma que imitar es un impulso natural del hombre, y que existe una alegría natural del hombre por la imitación. Hans-George Gadamer ahonda en el replanteamiento de este concepto señalando que "la alegría por la imitación es la alegría por el reconocimiento" No se trata de una exaltación del grado de parecido o semejanza con el original. La esencia de la imitación consiste en ver en el que representa lo representado mismo. De este modo, reconocer no significa volver a ver una cosa que ya se ha visto una vez, sino "reconocer algo como lo que ya se ha visto una vez".
La exposición aparece un tanto desigual o irregular en su alcance conjunto, destacando fuertemente la ejecución de algunas piezas sobre otras. Sin duda, la factura de su pintura ha adquirido una soltura en el toque, una controlada dislocación de la pincelada y un dinamismo en la proporción texturada en adecuado equilibrio entre las formas de objetos y figuras, y el fondo. En su pintura mantiene lo que ha venido siendo la distinción de su color hasta ahora: vibraciones agitadas de múltiples grises reverberantes de tiznes negros y que se conservan a un paso de la impresión de suciedad. El simbolismo de las imágenes se apoya en una equilibrada composición de formas y un enérgico y variado tratamiento de las superficies que va desde el suave corrimiento de pincel hasta un denso craquelado matérico. Las obras de mayor firmeza resaltan por la acertada descontextualización de elementos a los que apunta con el título de la obra que da la clave exploratoria de la narración gráfica. Obras que articulan la figura humana como protagonista, como "Las tres gracias", o los objetos, como en "substitutos" y donde se plantea un diálogo entre los elementos a través de su colocación o gesticulación. Metáforas y alegorías que remiten a un análisis crítico de actitudes en la sociedad a través de personajes anónimos de nuestro entorno.
El concepto de lo sublime se formó en la retórica antigua griega deslizándose, con la popularidad de un tratado en el siglo XVII, a ser una categoría de arte junto a la belleza: "La capacidad de entusiasmar y elevar el espíritu, unido a la grandiosidad del pensamiento y la profundidad de las emociones". La conjugación de lo sublime con la nada establece el contrapunto donde las imágenes se reducen al registro de una vacuidad. El carácter de la nada no puede explorarse desde la lógica tradicional que fuerza su definición desde lo positivo, como la ausencia de ser o la negación de algo. La nada es el fondo desde lo cual todo emerge; su esencia produce un sentimiento de temor y ansiedad, inquietud.
